Viagens à tasca

Há algumas semanas tive a oportunidade de visitar, pela primeira vez, a tasca da Margem Sul, a qual se revelou um dos mais estimulantes estabelecimentos «disqueiros». Entre as novidades e as promoções do costume, lá descobrimos artigos raros para a nossa capital (e em formato E.P.)...

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Joan Wasser, mais conhecida por Joan As Police Woman, palmilha os trilhos da música há mais de 10 anos. De eterna namorada de Jeff Buckley a colaboradora habitual de variadíssimos artistas como os Scissor Sisters, Lou Reed, Sheryl Crow, Rufus Wainwright, Antony ou mesmo John Cale, Wasser foi ganhando prestígio e, nos intervalos das suas muitas participações em trabalhos alheios, foi gravando as suas próprias canções. Em 2003 edita «My Gurl», primeiro single e um dos seus melhores trabalhos que um ano depois integra o homónimo E.P. de estreia. «Joan As Police Woman» revela algum desequilíbrio, é certo, mas temas como o soberbo «My Gurl», «Stagger Into The Light» (onde paira o espírito de Jeff Buckley) e «Game Of Life» davam alguns indícios do que seria a sua estreia, em 2006, com «Real Life». Joan Wasser caracteriza a sua música como «punk rock r&b» que resulta de duas grandes influências: a soul clássica de Al Green e Nina Simone e o som rude e experimental de uns Sonic Youth. A experimentação é, de facto, a metodologia favorita de Joan As Police Woman, sendo as divagações sonoras ora ao piano ora ao violino e a sua voz lembra algumas soul artists. Porém, é a assimilação de traços interpretativos de Antony Hegarty e Rufus Wainwright que mais nos fascina. Para primeiros contactos com a obra de Joan As Police Woman aconselho «Real Life» (álbum que inclui o magnífico «I Defy»); para os admiradores «Joan As Police Woman E.P.» representa os primeiros meses de gestação do fantástico «Real Life».

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Se Joan As Police Woman foi uma das grandes surpresas do ano transacto, os norte-americanos The National têm-se revelado um dos melhores partidos neste ano de 2007. Desde a edição de «Boxer» que não consigo parar de os ouvir e de os procurar (ora na internet, ora nas tascas). Nesta estreia sulista encontrámos o saboroso E.P. «Cherry Tree». Lançado em 2004, entre «Sad Songs For Dirty Lovers» (2003) e «Alligator» (2005), este conjunto de sete temas representou um certo limar de arestas por parte dos The National. Se até então a banda revelava potencial, ainda por concretizar, após «Cherry Tree» apuraram-se fórmulas e os The National atinaram, dando indícios do que são actualmente: uma das melhores propostas vindas da terra do Tio Sam. O colectivo continua a abordar Nick Cave, Leonard Cohen, Tindersticks, Tom Waits, Bruce Springsteen, The Walkabouts, etc. de uma forma muito particular. A voz de Matt Berninger engrandece a música e a própria banda, mas é a empatia entre esta autêntica família que mais brilha. Os ambientes são harmoniosos q.b. e temas como «All Dolled-Up in Straps», «Cherry Tree», «About Today» e «Wasp Nest» revelam o início da fase mais proveitosa dos The National. Depois chegaram «Alligator» e «Boxer» e o culto surgiu.

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A última aposta, no meio de tantas outras possíveis, passou pelo álbum de remisturas dos sempre bem-vindos Bloc Party. Pela primeira vez encontrámos o dito álbum a preço decente (aceitável para uma colecção de remisturas, entenda-se) e nem pensámos duas vezes. As canções da recomendável estreia «Silent Alarm» são boas e os convidados, para a metamorfose sonora «Silent Alarm Remixed», foram escolhidos a dedo. O resultado final é bem bom para um álbum de remisturas. Entre as propostas apresentadas encontramos nomes e ambientes tão diversos como Ladytron que nos dão uma visão ainda mais sinistra e mecânica de «Like Eating Glass»; M83 que surge com uma assombrada versão de «The Pioneers»; Four Tet que pega em «So Here We Are» e o resultado é ainda mais etéreo que o original; Mogwai que desiludem um pouco com a pop plana em «Plans»; Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs) que traz lições dadas pelos TV On The Radio para o universo Bloc Party; e os saudosos Death From Above 1979 que dão um interesse adicional ao já por si admirável «Luno». Pelo meio encontramos ainda belíssimos exercícios como «Helicopter [Whitey Remix]» que nos transporta para o mundo esquizofrénico dos Avalanches; o já aqui comentado «Banquet [Phones Disco Edit]» com a bateria e o baixo no volume máximo; a serenidade «This Modern Love [Dave P. And Adam Sparkles' Making Time Remix]» com tempero disco; e o rebelde «Price of Gasoline [Automato Remix]» numa versão mais «kraftwerkiana». Resumindo e concluindo: é mais um excelente conjunto de canções pop com a assinatura Bloc Party.

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Segue-se o vídeo de «Christobel», um dos melhores temas de Joan As Police Woman incluídos em «Real Life» e que conta com a ajuda preciosa de Joseph Arthur.

David Fonseca | Rocket Man

David Fonseca está de regresso aos vídeos e volta a surpreender. Depois de editar «Dreams in Colour», terceiro e porventura o seu melhor álbum, e de pôr Portugal a assobiar «Superstars», «Rocket Man» (original de Elton John) chega ao mundo audiovisual e o resultado é espantoso. O vídeo é, uma vez mais, realizado pelo próprio David Fonseca.

Maxïmo Park | Karaoke Plays

Autores de um dos grandes concertos de 2007 em palcos nacionais (no saudoso SBSR), os britânicos Maxïmo Park voltam à carga e lançam o quarto single de «Our Earthly Pleasures», o segundo álbum de carreira e um dos mais eficientes conjuntos de canções de 2007. Depois do acelerado «Our Velocity», do doce «smithiano» «Books From Boxes» e do mecânico «Girls Who Play Guitars» é a vez do pândego «Karaoke Plays» saltar para os plasmas de todo o mundo.

Viagens à tasca

Depois de mais uma semana de trabalho, mais dura que o normal, pois ainda nos estávamos a ambientar ao ritmo pós-férias, lá fomos beber uns copos. As escolhas, desta vez recaíram sobre Michael Jackson, Lauryn Hill e seguindo a corrente das tascas helvéticas, Johnny Cash.

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Vamos lá falar de Michael Jackson (MJ). Sempre esteve bem claro na minha cabeça que MJ desempenhou um importantíssimo papel na evolução da música urbana norte-americana, nas suas variadíssimas acepções e estilos. Do R&B ao Rap e do Hip-Hop à Pop. Desta forma, a vontade de comprar uma compilação de Mr. Jackson sempre existiu. Nesta inocente passagem pela tasca das tascas encontrámos artigos ao desbarato e o duplo «The Essential» acabou na nossa conta cliente por apenas € 5,00. O leque musical é extenso, passando pelos originais Jackson 5 até «Invencible», o último flop editorial de MJ, de 2001. É, de facto, um longo apanhado do melhor que Michael Jackson nos deu. Durante a sua infância, com os The Jackson 5, e juventude, nos The Jacksons (evolução natural dos anteriores cinco), a Motown era o pano de fundo e tanto Marvin Gaye como Stevie Wonder eram os ídolos a seguir. Quando em 1979 grava, com a ajuda de Quincy Jones, «Off The Wall» a admiração surge dos quatro cantos do mundo. Temas como «Don’t Stop ‘Till You Get Enough» e «Rock With You» marcavam a estreia em nome próprio de um artista que respirava talento e com um futuro promissor. Os prémios sucederam-se e os álbuns de platina multiplicaram-se. Daí até ao reconhecimento como Rei da Pop foi um pequeno passo. Por tudo isto e muito mais, ouvir este «The Essential» revelou-se uma experiência surpreendente. Se no primeiro CD encontramos os inevitáveis «Don’t Stop ‘Till You Get Enough», «Rock With You», «The Girl Is Mine» (dueto com Paul McCartney), «Billie Jean», «Beat It» e «Thriller»; o segundo capítulo passa pelos não menos importantes «Bad», «The Way You Make Me Feel», «Man In The Mirror», «Smooth Criminal», «Remember The Time», «Heal The World», «Earth Song» e «They Don’t Care About Us». Tudo motivos para recordarmos um dos maiores compositores pop do último século.
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Viramos as atenções para um dos mais conseguidos registos dos últimos anos. «The Miseducation Of Lauryn Hill» é um clássico, por isso mesmo a cópia pirata lá de casa merecia um upgrade. Em mais uma promoção Fnac acabamos por levar o disco para casa e reviver outros tempos. Note-se que esta «sinuosa» educação de Lauryn Hill é mais um tributo à soul dos anos 70 (com a Motown uma vez mais a marcar presença) que um álbum de hip-hop contemporâneo. Porém, é aqui que reside o segredo do seu sucesso. Canções baseadas em memórias soul às quais são adicionados beats contagiantes e uma lírica contemporânea. É, desta forma, um autêntico regresso ao futuro que meio mundo aclamou, nomeou e galardoou. «Ex-Factor» é um lamento delicioso que poderá levar o ouvinte mais sensível às lágrimas; «To Zion», que conta com a ajuda preciosa de Carlos Santana, é um autêntico bombom que Lauryn Hill ofereceu ao seu filho Zion; «Everything Is Everything» conta com John Legend (na altura um perfeito desconhecido) ao piano mas são os beats e o trabalho de edição que despertam a nossa atenção; «I Used To Love Him» regista a sempre agradável presença de Mary J. Blige (uma das rainhas da soul) e a comunhão com Lauryn Hill é perfeita; D’Angelo também surge na lista de convidados e o resultado é o «Melodicodoce» «Nothing Even Matters»; «Doo Wop (That Thing)» foi um dos singles e vídeos mais fortes dos anos ’90; e, a chegar ao fim, temos «Can’t Take My Eyes Off You» a servir de sobremesa.
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Regressamos ao mundo Johnny Cash e ao quinto e simultaneamente primeiro capítulo póstumo da série American Recordings. Se no admirável «American IV: The Man Who Cames Around» Johnny Cash já revelava alguma debilidade física, em «American V: A Hundred Highways», editado a 4 de Julho de 2006 (cerca de 3 anos após o seu desaparecimento), o cenário não é melhor. O ritmo é calmo e os temas são tranquilos, desempenhando como que um papel de despedida. Johnny Cash volta a formar equipa com Rick Rubin. O álbum é, mais uma vez, composto por alguns (poucos) originais e uma mão cheia de versões. No campo dos originais encontramos a serenidade folk de «I Came to Believe» e o country de «Like The 309», a derradeira composição assinada por Johnny Cash. Relativamente às covers, destaque para o tema tradicional «God’s Gonna Cut You Down»; «If You Could Read My Mind», de Gordon Lightfoot; «Further On Up the Road», de Bruce Springsteen; «On The Evening Train», de Hank Williams; «A Legend In Time», escrito por Don Gibson e interpretada por Roy Orbinson; e, a fechar, o «cristalindo» «Love’s Been Good To Me», tema popularizado por Frank Sinatra. O resultado final revela-se mais homogéneo que os seus antecessores, mas a sua serenidade não deixa de transmitir algum vazio e sentimento de perda do génio Johnny Cash.

Um pouco em forma de homenagem deixo Johnny Cash e o vídeo para «God’s Gonna Cut You Down», tema que também foi aproveitado por Moby em «Run On», de «Play».

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Viagens à tasca

O regresso a Portugal resultou, obviamente, num retorno aos roteiros das principais tascas nacionais. Na primeira visita fomos surpreendidos pelos viciantes discos em formato E.P.. Já aqui o transmiti e volto a frisar: sou apaixonado pelos E.P.. Podem não trazer nada de novo, mas estas «pequenas» edições, encaradas como algo menos importante que os álbuns (aumentando o meu interesse), poderão compilar leftovers de outros registos ou aguçar o apetite dos ouvintes para um futuro álbum ou futura carreira cheia de sucessos. As escolhas, de mais uma viagem à tasca, recaíram sobre a mais recente aposta dos Yeah Yeah Yeahs, a estreia dos Bloc Party e o teaser dos Shivaree para o álbum «Who’s Got Trouble», de 2005.

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Gosto muito dos nova-iorquinos Yeah Yeah Yeahs. Fashion Punk Pop de alta qualidade. Karen O, uma das muitas rainhas do rock, sabe o que quer e para onde vai. Os seus variados registos, ora agridoce (ouçam-se «Down Boy» e «Is Is») ora grotesco (em «Rockers To Swallow»), são a mais valia deste colectivo. A música por vezes repete-se, mas as interpretações de O dão sempre um toque cativante aos Yeah Yeah Yeahs. «Is Is», E.P. que reúne novas gravações de alguns dos temas escritos e esquecidos na gaveta entre «Fever To Tell» e «Show Your Bones», é mais do mesmo. Nenhuma das canções aqui incluídas marca, de forma clara, uma viragem de rumo, nada que nos possa dar uma primeira ideia sobre qual o futuro recente deste trio nova-iorquino. Contudo, pergunto: quando se gosta de um determinado doce, repetimos esse mesmo doce que nos satisfaz plenamente ou procuramos outras sacarinas? Karen O volta a ser a estrela da companhia e Nick Zinner e Brian Chase continuam em constante despique um com o outro. O resultado é dezoito minutos de boa música e de pura sedução por parte de Karen O e companhia. «Rockers To Swallow» é visceral e recupera os bons momentos de Marilyn Manson. «Down Boy» é marca de registo Yeah Yeah Yeahs, início doce para logo depois Nick Zinner e Brian Chase revirarem tudo do avesso. «Kiss Kiss» é punk pop para danças lascivas/sexuais; «Is Is» acaba por ser o melhor tema aqui apresentado, juntando o belíssimo «Maps» ao não menos espectacular «Cheated Hearts». «10 x 10» tem a árdua tarefa de fechar mais uma proposta dos Yeah Yeah Yeah. Nada de novo, portanto, mas aguçamos o apetite para novidades Yeah Yeah Yeahs.
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Mantemos o registo das vozes femininas, para voltarmos aos Shivaree. OK, a banda norte-americana é irregular e somente o «Goodnight Moon» teve algum reconhecimento geral. Porém, há algo na voz e desempenho de Ambrosia Parsley que me prende. Algo de langoroso que busca ensinamentos pop a uns Sparklehorse, Mazzy Star e, porque não, Portishead. A música mantém a sua vertente indolente. A voz é cativante e a música, sem encantar, satisfaz. Um dos muitos guilty pleasures do final do século XX a marcar os meus ouvidos (para o bem e para o mal). A tracklist deste teaser para o álbum «Who’s Got Trouble?», trabalho que contém um dos segredos mais bem guardados da pop («New Casablanca»), é composta essencialmente por covers (outra das minhas grandes paixões). Além de «I Close My Eyes» (primeiro single do supracitado álbum), encontramos «Fat Lady Of Limbourg», uma versão de Brian Eno e também incluída em «Who’s Got Trouble?» e os lados-b «Fear Is a Man's Best Friend», cover de John Cale, «Strange Boat», cover dos Waterboys e que conta com a participação especial de Ed Harcourt, e «657 Bed B» (original dos Shivaree). Só para aderentes Shivaree.
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Terminamos esta aventura ao som dos sempre bem-vindos Bloc Party e mais um E.P.. A compra colmatou uma falha na listagem de discos lá de casa, com o debut da banda britânica. Não nos alonguemos muito. O que interessa aqui é «Banquet», tema indie rock radio friendly com um refrão orelhudo e que recupera Gang Of Four, The Fall e The Cure em pouco mais de 3 minutos. O desenrolar dos acontecimentos para os Bloc Party é conhecido: uma operadora de telecomunicações descobre «Banquet» e a exposição é fulminante. «Silent Alarm» é apanhado na corrente e aquando de «A Weekend In The City», segundo registo de originais, a presença da banda nos tops europeus já é normalíssimo. Recentemente editaram «Flux» e as reacções têm sido díspares. Ora se ama ora se odeia, não havendo espaço para o meio-termo. «Bloc Party E.P.» é de digestão mais fácil. Além de «Banquet» (a «galinha dos ovos de ouro» do colectivo britânico), encontramos «She’s Hearing Voices», numa primeira gravação menos sofisticada; «Staying Fat», ritmo acelerado e riffs frenéticos com vocalizações sobrepostas e envolventes; «The Marshals Are Dead», canção que se mostra ainda num estado embrionário e que nunca foi terminada (pelo menos em disco); «The Answer», que começa ao som de «Price Of Gasoline» e pelo meio revela alguns riffs de «This Modern Love» é, porventura, o outro grande ponto de interesse deste E.P.. No fim há ainda espaço para a versão «Phones Disco Edit» de «Banquet», onde a bateria, o baixo e uma pitada de electrónica se evidenciam. Agradável estreia e excelente teaser para «Silent Alarm».

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Segue-se a actuação dos Yeah Yeah Yeahs no «David Letterman Show» com «Down Boy», excelente cartão de visita para a sonoridade Yeah Yeah Yeahs.

Interpol - Act 2

O que dizer do concerto dos Interpol? De facto, as condições eram propícias para uma grande noite. O Coliseu estava esgotadíssimo (já há algum tempo que não se via tanta gente no recinto lisboeta); o álbum e respectivos singles de «Our Love To Admire» continuam a portar-se bem; e o espectáculo surgia quatro meses após uma belíssima estreia em palcos nacionais (no Super Bock Super Rock). O que faltou então à actuação dos Interpol?

Os músicos são bons, a banda entende-se às mil maravilhas e as canções (personagens principais de qualquer concerto que se preze) são boas. Porém, aliado a um alinhamento de altos e baixos, o público lisboeta mostrou-se, durante grande parte da actuação, apático e sem sal. Longe vão os tempos em que os concertos em Portugal ganhavam dimensão pela entusiasmante prestação do público. Há cerca de dez anos um concerto em palcos lusos era um evento único, não só porque Portugal nunca fez parte do roteiro «normal» das digressões como o público mostrava-se sedento, fazendo tudo por tudo para criar empatia com os artistas. Hoje em dia, directamente relacionado com uma maior oferta ou não, a letargia predomina. A banda chega, dá o seu espectáculo e quando nos apercebemos o concerto já terminou. O que estará a prender o público português?

Passando adiante. Os músicos são exímios, chegando ao ponto de reproduzir fielmente os temas de todos os seus álbuns de estúdio. Foi assim no SBSR (mas ninguém os crucificou, pois era a primeira vez) e foi assim na passada noite de 7 de Novembro. Pelo palco passaram os grandes sucessos do colectivo norte-americano. «Obstacle 1», «Mammoth», «Slow Hands», «Evil», «C’mere», «The Heinrich Maneuver», «No I Threesome», «PDA»… Tudo ingredientes favoráveis a um excelente concerto. No entanto, foi com «Pioneer Of The Falls» (a abrir), «No I Threesome», «Rest My Chemistry» e «The Lighthouse» que vimos algo de novo nos Interpol. Todavia, paradoxalmente foi com estes dois últimos temas que se deu uma quebra brutal no espectáculo. O público recostou-se e rapidamente chegámos ao final de mais um concerto em Lisboa. Já agora, qual é o próximo concerto?

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Especial menção para os Blonde Redhead, banda norte-americana que acompanha os «vizinhos» Interpol na digressão europeia. Uma boa parte da plateia revelou conhecer a discografia dos irmãos Simone e Amedeo Pace e Kazu Makino (elemento essencial para a estratégia de sedução do colectivo). A música é atraente e a voz, mais esganiçada em palco, de Kazu Makino (a lembrar uma Julee Cruise) dá um ar alucinado ao espectáculo. «23», o tema título do excelente último registo, fechou a tentadora prestação do colectivo e deu razões para uma outra visita e noutras condições.

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À semelhança dos últimos posts, damos especial atenção a um disco, colocado em lista de espera para se apresentar neste espaço, associado a um recente concerto e a mais uma viagem à tasca (já em território nacional). Os Blonde Redhead mostraram o que valem na primeira parte dos Interpol. Canções ensopadas em octanas de 2007. À escola New York, mais precisamente dos seus «vizinhos» Sonic Youth, juntam a eloquência pop gótica de inícios de 80. O resultado final são 10 vitaminados temas que revelando uma sonoridade etérea dão ânimo e assentam ainda mais a esperança no futuro deste trio norte-americano. «23», «The Dress», «SW», «My Impure Hair», «Spring and by Summer Fall», «Silently» e «Top Ranking» são excelentes exemplos da melhor pop que 2007 já nos deu.

A despedida é feita ao som de «23» dos Blonde Readhead. Vídeo realizado por Melodie McDaniel.

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Estrela à solta no Coliseu

«I don't know what it is / But you got to do it / I don't know where to go / But you got to be there». Foi com estas palavras que Rufus Wainwright, já de roupão, deu início ao encore final, a 3.ª e última parte do concerto do passado dia 6 de Novembro. Tal como o próprio afirma, não sei que sentimento é este, mas é obrigatório assistir a um espectáculo do artista canadiano pelo menos uma vez na vida. Era a impressão que tinha (depois de 2 concertos) e foi a sensação com que fiquei no final de mais uma brilhante apresentação em Lisboa («a cidade mais bonita da Europa», segundo as palavras de Wainwright).

A espontaneidade continua a ser a arma de sedução de Rufus, que insiste em entreter o público com confissões desconcertantes, tais como «I’m a little princess… without a throne… and available». A sinceridade é a alma do negócio. Rufus diz e o público acredita, não só pela maturidade demonstrada nas suas composições como pela aparente «inocência» evidenciada em palco. De certa forma, Rufus será sempre (um)a pequena princesa, mas o trono, esse já ninguém o lho pode negar nem tirar.

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Durante a primeira parte Rufus Wainwright esteve ao ataque, presenteando os seus adeptos com temas novos e menos novos. «Release The Stars» abriu as hostilidades de um espectáculo que durou quase três horas. «Going To A Town» seguiu-se e o talento já demonstrado conquistou o público com uma arrebatadora interpretação ao piano de uma das suas mais belas canções. «Sanssouci», «Rules And Regulations», «Tiergarten», «Leaving Paris» e a divertidíssima «Between My Legs» (com a participação especial da sua instrutora de ioga) completaram o leque de temas extraídos do mais recente álbum. Pelo meio e ao som de «Danny Boy», «Cigarettes And Chocolate Milk» e «The Art Teacher» reviveram-se outros momentos da admirável carreira de Mr. Rufus Wainwright.

Após um intervalo de quinze a vinte minutos, Rufus voltou à carga com «The Consort» do soberbo «Poses» (álbum de 2001), para logo depois regressar às «estrelas» com o tema bigger than life «Do I Disappoint You?» (mera pergunta de retórica, diga-se de passagem). Foi então que a sombra de Judy Garland se mostrou e Rufus, de uma assentada, interpretou «Foggy Day In London» e «If Love Were All», temas que poderemos encontrar nas gravações dos espectáculos homenagem a Judy Garland a editar em Dezembro próximo. «Nobody’s Off The Hook», «Not Ready To Love» e «Slideshow» fecharam «Release The Stars». Contudo, ainda houve tempo e forças para «Beautiful Child», «14th Street» e, surpresa das surpresas, «Macushla» (tema tradicional celta que Rufus cantou à capela, sem microfone, entenda-se; momento mais operático que revelou uma das grandes paixões deste cantautor de eleição).

Regressando ao encore. Após «I Don’t Know What It Is» Rufus apresentou «Poses» e chamou ao palco Kate McGarrigle (sua mãe) para interpretar «Somewhere Over The Rainbow» (da banda sonora d’O Feiticeiro de Oz) e «Barcelona» («uma vez que Portugal ainda faz parte da Península Ibérica»). A cereja em cima do bolo ocorreu quando Rufus resolve tira o roupão, colocar um par de brincos, batom e com a ajuda de um chapéu e traje à anos 20 bailou, com a sua banda de suporte, «Get Happy», mais um tema do universo de Judy Garland. Por fim ainda houve tempo para o inevitável «Gay Messiah».
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Aproveitando a boleia de mais um concerto, damos prioridade máxima a uma recente aquisição discográfica: «Release The Stars», o último álbum de originais do grande Rufus Wainwright. Após as aventuras e desventuras em período de férias e uma vez que tivemos conhecimento da edição, em território de sua Majestade, de um pack especial e limitado com uma faixa adicional e um DVD bónus, navegámos em direcção a essa autêntica selva de vícios que é a Amazon… «Release The Stars» só veio aumentar ainda mais a admiração pelo autor. Rufus Wainwright mantém o alto nível e a qualidade na sua escrita. Aponta novos caminhos em temas mais orquestrais / operáticos e enfeitiça com uma pop crivada de requinte e leveza. «Do I Disappoint You?» é, como tive a oportunidade de mencionar bigger than life. O lamento e a desilusão pessoais com a América em «Going To A Town» emocionam qualquer ouvinte. «Tiergarten» é doce como o mel. «Nobody’s Off The Hook» e «Not Ready To Love» mostram a vertente mais sensível e delicada de Wainwright. «Rules And Regulations», «Between My Legs» e «Release The Stars» dão um toque mais hedonista ao álbum. Concluíndo: excelente álbum associado a um magnífico concerto de um dos singer-songwritters de eleição da actualidade.

Como despedida segue-se uma gravação da reencarnação camp de Judy Garland.

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Antony And The Johnsons | I Will Survive

A imagem do vídeo não é a melhor. Aliás, é melhor esquecermos a imagem. O que interessa, neste post, é o som e a soberba capacidade interpretativa que Antony Hegarty demonstra ao pegar em «I Will Survive», clássico de Gloria Gaynor, sobrevivendo ao original. Mais palavras para quê. «Ouçamos» o vídeo...

2007 | Viagens à tasca em período de férias XII

Últimos dias de férias. Refazer as malas. Arranjar espaço propício para o transporte dos discos importados. Despedirmo-nos das pessoas e dos locais que adoptámos como nossos. O stress regressa e o pensamento em Portugal, no trabalho e na monotonia do quotidiano também. Porém, ainda houve tempo e espaço (na bagagem) para mais uma visita a uma tasca genebrina. A escolha final recaiu sobre a segunda City@Disc da cidade, local onde descobrimos a versão deluxe de «Nolita», quarto álbum da menina Keren Ann, e «Live In Japan 2004» dos norte-americanos Incubus (um dos muitos guilty pleasures da minha juventude).
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«Nolita» marca a separação criativa definitiva entre Keren Ann Zeidel e Benjamin Biolay e é o primeiro registo da artista israelita após a sua mudança para New York (mais precisamente para o bairro de Manhattan, North Of Little Italy, i.e., NoLIta). Composto por quatro temas em francês e seis em inglês, Keren Ann canta e encanta novamente. A fragilidade da sua voz prende-nos do primeiro ao último segundo. A leve brisa bucólica que percorre todo o disco rejuvenesce qualquer que seja o ouvinte. «Que N’Ai-Je?», uma visão mais adocicada e frágil da bossa nova, abre as hostilidades. «L’Onde Amère», tema que conta com a participação do trompetista Avishai Cohen, conquista-nos por completo e a rendição está garantida ao segundo acto. «Chelsea Burns», primeiro tema apresentado em inglês e peça fundamental para a mediatização de Keren Ann, só adensa ainda mais a nossa entrega. Porém é «Nolita», com sete arrebatadores minutos, que ao abraçar a ardente frieza de uns Sigur Rós, Keren Ann parece atingir a perfeição. Comparativamente, o que se segue perde um pouco de interesse, mas nenhuma canção desilude. O magnetizante piano em «One Day Without», o baixo indolente de «La Forme Et Le Fond» e a deliciosa «Song Of Alice» só aumentam o encanto por Keren Ann. Como canta em «Greatest You Can Find» (faixa escondida), «Your love is greater greatest you can find here».
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Partimos em direcção aos Incubus e por muito que queiramos recordar bons velhos tempos, depois de tantas e tão boas (re)descobertas como Martha Wainwright, Benjamin Biolay, Keren Ann, The Shins, Johnny Cash, e por aí em diante, por mais espectacular que fosse o concerto registado em «Live In Japan 2004», saberia sempre a pouco. Ainda para mais, a digressão aqui documentada é que apresentou o desapontante «A Crow Left Of The Murder». Longe vão os tempos de «S.C.I.E.N.C.E.» e «Make Yourself», fase mais produtiva deste colectivo californiano. A genuína agressividade dos Incubus perdeu-se após «Make Yourself», álbum que os catapultou para os topes de todo o mundo e os corrompeu. O dinheiro parecia falar mais alto e o descalabro foi inevitável. «Live In Japan 2004» centra-se em «A Crow Left Of The Murder», mas os pontos altos são «Consequence», «Idiot Box», «Vitamin», «Clean», «A Certain Shade Of Green» e o soberbo «Pardon Me». Que me perdoem os Incubus, mas o espírito inicial murchou e não se vislumbra quaisquer indícios de renovação.

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Jet d'Eau - Lac Léman (Genève)

The Killers feat. Lou Reed | Tranquilize

Outro dos vídeos promocionais a chegar ao mundo virtual é a mais recente aposta dos texanos The Killers. «Tranquilize» é o primeiro single extraído de «Sawdust», a compilação de lados-b e raridades que será editada dia 12 de Novembro. Musicalmente o ambiente é mais sinistro que nunca. Lou Reed, convidado especial dos The Killers, dá uma mãozinha e o ar torna-se ainda mais pesado. Segue-se o vídeo.

QOTSA | Make It Wit Chu

«As raínhas» do stoner rock norte-americano estão de volta aos vídeos. Depois da aposta em «Battery Acid Spot», tema que mostra todo o ácido que corre nas veias de Josh Homme, a escolha recaiu sobre o surpreendente «Make It Wit Chu». Um remake das famosas «Desert Sessions» de Josh Homme e amigos que resulta num espantoso exercício pop indolente dos Queens Of The Stone Age.

2007 | Viagens à tasca em período de férias XI

Estávamos prestes a terminar as férias de 2007. Depois de 2 semanas e meia preenchidas pela novidade a sombra do regresso a Portugal já era visível e as saudades do estrangeiro já se começavam a sentir. As duas últimas grandes jornadas em território helvético foram a indispensável volta ao lago Léman (conhecido como «Route du Lac Léman») e a visita a Gstaad, a famosa estância de ski. Em ambas as excursões passámos pelas cidades de Lausanne e Montreux (a capital suíça da música).

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Memorial de Freddie Mercury em Montreux

Por incrível que lhes possa parecer, em Montreux não avistámos nenhum estabelecimento para saciar o vício musical. Desta forma, e depois de confirmarmos a sua existência na world wide web, lá encontrámos a Fnac de Lausanne. A visita foi a correr, mas houve tempo para descobrir o novíssimo disco de Joseph Arthur.
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«Let’s Just Be» é o sexto álbum da carreira de Joseph Arthur, o segundo registo a ver a luz do dia através da Lonely Astronaut Records (editora de Joseph Arthur) e a primeira gravação onde o singer-songwritter norte-americano se faz acompanhar por uma banda de suporte, os The Lonely Astronauts. O resultado é o pior disco de Joseph Arthur. Em parte percebemos que depois de arquitectar o seu espaço e construir o seu próprio estúdio e editora, Joseph Arthur se sente «free as a bird». De momento, nada e ninguém o impedem de gravar e lançar o quer que seja. As limitações editoriais deixaram de condicionar o trabalho de Joseph Arthur e isso está muito bem evidenciado neste «Let’s Just Be». Às primeiras audições constatamos a presença do espírito free de um Devendra Banhart, mas musicalmente as dezasseis composições aqui expostas não apresentam qualquer rumo. Os inarráveis «Cockteeze» e «Lonely Astronaut» (este último com mais de vinte minutos) mostram uma banda a ensaiar acordes, melodias, vocalizações, percussões, etc. É claro que Joseph Arthur já demonstrou todo o seu talento em álbuns como «Come To Where I’m From» e «Our Shadows Will Remain». Porém, «Let’s Just Be» parece-se mais com uma compilação de demos, lados-b e outras gravações perdidas do que um álbum de originais que resulte numa digressão. Desta forma, «Let’s Just Be» poderá contentar os mais acérrimos seguidores de Joseph Arthur. Todavia, para os restantes conhecedores da obra de Joseph Arthur os temas «Take Me Home», «Chicago», «Diamond Ring», «Lack A Vision» e «I Will Carry» não o deixam ficar mal de todo na fotografia. No entanto, é muito pouco para o tanto que já nos deu e nos prometeu.

Como recordação dos bons tempos de Joseph Arthur deixo «History», uma das grandes canções de «Come To Where I’m From», álbum de 2000 que incluía «In The Sun», o maior sucesso de Joseph Arthur até à data.
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2007 | Viagens à tasca em período de férias X

Há cerca de 2 meses e meio, durante a última semana de férias, decidimos procurar os verdadeiros souvenirs helvéticos, para presentear familiares e amigos mais próximos. A primeira sugestão foi o estabelecimento comercial Manor (o El Corte Inglês suíço). Escusado será dizer que perdemos uns valentes minutos na secção cultural, onde para além do Compact Disc os packs DVD das temporadas 1 & 2 de «Weeds» (série que começa a fazer história em todo o lado) também fizeram mossa. Relativamente à música, além da gracinha SuperBus (já agora amigo F., foi mesmo só uma brincadeira) o aliciante preço de «Amputechture» dos The Mars Volta e a recomendação local de Stephan Eicher completaram o rol dos recuerdos (daquele dia).
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Os The Mars Volta são um caso misterioso! Saídos do saudoso mundo At The Drive-In, cedo Omar A Rodriguez-Lopez e Cedric Bixler Zavala ocuparam uma posição impar no panorama stoner indie free rock norte-americano. A urgência sonora e estética registada nos vinte minutos dos três temas que compunham o EP de estreia «Tremulant» (de 2002) davam vivas ao novo rock progressivo. Seguiu-se «De-Loused In The Comatorium» (de 2003), álbum conceptual produzido por Rick Rubin que relata, na primeira pessoa, o período em estado de coma de um toxicodependente e amigo da banda. O disco não tardou a ser aclamado por público e crítica. Os concertos eram um estrondo (destaque para a passagem do colectivo pelo Paradise Garage, a 4 de Dezembro de 2003). O culto estava garantido. Em 2005, «Frances The Mute» (álbum com mais de uma hora de música e com apenas 5 grandes temas) é editado e os devaneios de Omar A Rodriguez e Cedric Bixler voltam a captar a atenção de todos. Por vezes, os delírios de Omar e Cedric parecem perdidos em si mesmos, quebrando o frágil fio condutor da música dos The Mars Volta e transmitindo alguns sinais de desgaste e desorientação. Todavia, cada jam session registada em disco acaba por revelar uma banda exímia no que faz: música sem qualquer tipo de regras. O rock mistura-se com a salsa. A melancolia é assolada pelo psicadelismo citadino. A pop vê-se prisioneira do negrume apocalíptico. O inferno é mais uma vez convocado e colocado à disposição do stoner rock. Tudo se mistura, tudo se transforma ao som destes The Mars Volta. É o que acontece também em «Amputechture» (álbum editado em 2006). O deserto, o apocalipse e o inferno continuam a ser referenciais. A alucinação da guitarra de Omar Rodriguez, apesar de desalinhada, torna-se aqui mais familiar. A voz ora sofrível, ora aguerrida ou estridente de Cedric Bixler também entusiasma. «Amputechture» é capaz de não ter nenhum tema comparável aos «populares» «Televators» de «De-Loused In The Comatorium» e «The Widow» de «Frances The Mute», mas os The Mars Volta, apesar da sua anarquia sonora, revelam uma consistência e proximidade que pareciam impossíveis de alcançar.
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Chegamos a Stephan Eicher, o verdadeiro e único representante da música helvética que acabou na mala suplementar do nosso regresso a Portugal. Eicher, nascido em Münchenbuchsee (localidade situada no cantão de Bern e muito perto da sua capital), compõe e edita singles desde 1978, ano em que se estreou com o hit-single, em terras germânicas, «Eisbär». A sua formação musical passou pela academia de artes de Zürich. Quando chegou a altura de compor Stephan Eicher não optou por nenhuma língua em especial, razão pela qual é normal ouvirmos temas em francês, suíço-alemão, inglês ou mesmo italiano. No entanto, e como não poderia deixar de ser, as influências exteriores delinearam-lhe um caminho e aqui Jacques Dutronc, Georges Brassens e o inevitável Serge Gainsbourg foram figuras de proa numa primeira fase da sua carreira. Paralelamente, nomes como Johnny Cash, Bob Dylan e Bruce Springsteen também eram invocados. O meu primeiro reconhecimento do terreno Eicher foi efectuado através do seu «Best Of» de 2001. O alinhamento de «Hotel*s: Stephan Eicher’s Favourites» resultou da votação online dos seus fãs. Musicalmente «Hotel*s» começa por respirar a pop de 80: «La Chanson Bleue», é batida New Order para logo depois se dispersar em ambientes Jean Michel Jarre e «Combien De Temps» (um dos maiores sucessos de Eicher), é a escola de uns Tears For Fears e/ou Fine Young Canibals. «Two People In A Room» poderá sugerir uma versão suíça de um Rod Stewart, mas evolução de Eicher revelou-se bem mais proveitosa que o escocês. Em «Guggisberglied» ouvimos Tori Amos a ensaiar ao som das variadíssimas vertentes de Matt Howden (Raindogs). «DéJeuner En Paix» (mais um dos grandes sucessos de Eicher) é pop europeia embebida no rock norte-americano dos finais de 80. «Hemmige», com uma introdução em tudo parecida a «I Will Survive», é uma surpreendente valsa suíça-alemã. «Tu Ne Me Dois Rien» recupera «Nebraska» de Bruce Springsteen e «Des Hauts, Des Bas» revela ensinamentos góticos de inícios dos anos 80. «Oh Ironie» (outro dos grandes sucessos de Eicher) anuncia melodias e orquestrações clássicas, mas o resultado é uma excelente peça para passar em qualquer discoteca vintage. Boa introdução à cultura pop suíça.
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A escolha para o habitual destaque final recaiu sobre os The Mars Volta. O vídeo mostra a versão live de «Meccamputechture», de «Amputechture». Em pouco mais de seis minutos comprovamos a força e a dedicação empregues pelos The Mars Volta nas suas actuações ao vivo e ouvimos um dos grandes temas do último álbum de originais da banda norte-americana.